NUMEN- Descripción de los personajes por Clara López

Lupe:

Mujer de 24 años. Vivió toda su vida en Capital Federal, junto a su padre en un departamento muy similar al que vive hoy ella. Su padre profesor de Literatura no pasaba mucho tiempo con ella, trabajaba todo el día y ella se crió entre sus libros. De chica una vecina la cuidaba y llevaba al colegio, cuando ya tuvo 10 años comenzó a manejarse más sola, hacia las dos cuadras a su colegio caminando y volvía. En la dictadura su padre se mantuvo al margen de cualquier mal entendido u enfrentamiento, dejó de frecuentar amigos que comienzan a tener historias Fuertes por miedo de lo que pudiera pasarle y dejarla sola a Lupe. Sin embargo ella no puede olvidar las conversaciones en el departamento en el que convivían, distintas y mucho más profundas de las conversaciones que oía en otros lados. Esto lo entiende de más grande Lupe.

La soledad e independencia fueron moneda corriente en la vida de esta chica, estando en el secundario consigue un trabajo como ayudante de guionista en una revista de modas. Este trabajo marcó la forma de Lupe de buscar trabajos y sus preferencias al hacerlo, también confirman que quería vivir de escribir, lo que fuera. Este trabajo le permitió saciar sus curiosidades, le dio independencia monetaria y luego de terminado el colegio,  ni bien pudo decidió buscarse un pequeño lugar para vivir sola. Desde entonces trabaja en todo lo que puede y su vida comienza a parecerse más y más a la de su padre. Lupe es delgada, morocha, usa anteojos para escribir. No es muy llamativa, viste generalmente con pantalones, remeras y zapatos, borcegos. Usa prendas de cuero, no respeta al cien por cien la moda del momento pero eso no le interesa. Fuma y toma mucho café. Generalmente es una persona amable, pero bastante retraída, tiene principios muy claros y es ferviente al hablar de algo que sabe, y también muy directa para hacer saber su opinión, no le importa a quién pueda caerle mal algo de lo que dice. No busca caerle bien a la gente, es auténtica. Comparte mucho tiempo con Antonia, una amiga del colegio, desde que son pequeñas, sus diferencias son visibles, tienen distintos gustos pero tienen cosas en común que superan todas sus diferencias, se conocen al máximo una sabe lo que la otra piensa antes de que lo digan, tienen distintas formas de hacer las cosas pero las mismas prioridades en la vida. Económicamente tienen dos historias muy distintas, Lupe es de clase media baja. Está de novia hace seis meses, pero no se siente atada ni realmente comprometida con la relación, que comenzó luego de que el chico le insistiera semanas una salida en su trabajo. El chico la conquistó por su perseverancia pero luego de eso Lupe ya habiendo comenzado la relación esté chico dejó de entusiasmarla y aunque sigue con él no lo hace de muy Buena gana. Es poco ordenada porque no tiene mucho lugar dónde guardar todos sus libros, y porque nunca tuvo la constancia ni vivió una casa ordenada y limpia. Trabaja y en sus tiempos libres estudia, pero es autodidacta, estudia de sus libros, variadas cosas desde historia del arte hasta algunas cosas del psicoanálisis, es muy curiosa y cada vez que tiene que escribir sobre algo lo investiga a fondo, se empapa de eso. Su departamento además de estar lleno de libros, también está lleno de casettes, algunos vinilos, sus gustos musicales son muy variados, le encanta comprar casettes de bandas que no son conocidas y encontrar vinilos de bandas que le encantan. El rock internacional de los 70 la atrapa y marca su vida, siempre descubre bandas nuevas que no ha podido escuchar.

Antonia:

Amiga de Lupe del colegio, 24 años. Tiene una vida muy distinta a la de su amiga, viene de una familia que se mantiene unida, asi que ella sigue viviendo con ellos mientras estudia. Estudia psicología. Es bajita y chiquita pero tiene una personalidad fuerte, y muy simpática. Es amiga de Lupe desde que se conocieron en primer grado, nunca dejaron de serlo. Antonia se muestra muy fuerte por fuera pero es bastante temerosa cuando los cambios llegan, así tuvo ya dos relaciones en las que sufrió y le costó muchísimo atreverse a dejarlas. Lupe siempre está ahí para hacerla reaccionar. Aunque es mucho más dada y simpática que su amiga, Antonia se comporta como alguien  más acorde a su edad y tiene por momentos actitudes que la enfrentan a Lupe. Rubia, de pelo largo, vestida a la moda del momento, aspecto muy cuidado, siempre con accesorios, Lupe le dice que puede escucharla a una cuadra caminando del ruido que hace ella misma. Generalmente chistosa, no tiene problemas para conseguir hombres pero le gustan las aventuras, buscar en lugares insólitos, frecuentar bares que no haría habitualmente, etc. Muy femenina, viste ropa de Buena calidad y siempre tirando a añiñada. Es una chica cien por ciento a la moda, desde su manera de vestir, la Carrera que estudia, las revistas que lee y la música que escucha pero todo eso no la enfrenta a Lupe ya que todo eso le interesa pero nunca tanto como para no experimentar o dejar de hacer cosas que le ofrece su amiga, siempre predispuesta a indagar, investigar con ella.

Cesar:

Hombre, 53 años. Divorciado hace 5 años de su única mujer, y madre de sus tres hijos. Él es quién invita a Dante a la cita, ya que no es la primera vez que prueba suerte, lamentablemente ni las anteriores ni está van a ser positivas. Cesar y Dante se conocen de chicos, eran vecinos y sus vidas han sido muy distintas. Cesar trabaja hace muchísimos años en relación de dependencia, trabaja en un estudio contable, sabe todo lo que debe saber un contador pero ha aprendido por oficio, por trabajar tantos años en lo mismo. No es muy sensible y a pesar de ser bastante machista intenta ocultarlo. Es un hombre sencillo en su manera de vestir y en sus gustos, frecuenta bares que tienen ping pong o mesas de pool, le encanta competir y le encanta salir a tomar una cerveza aunque sea cualquier día de la semana, salir ver gente. Su matrimonio fue feliz muchos años pero no terminó bien, siempre se lamenta el no haber podido cambiar ciertas cosas que ayudaron a que su relación terminara, y ahora soltero intenta ser mejor persona para encontrar a alguien. Se muestra seguro ante los demás pero es un hombre con muchas dudas y duro consigo mismo.

Dante:

Hombre, 50 años. Viudo de su mujer de casi 30 años de casado, tuvo un solo hijo que vive en Mendoza con su familia. Su mujer murió hace 10 años por un cáncer. Trabajó toda su vida en el taller de autos de su padre, hace muchos años es su taller que tiene la particularidad de ser un taller distinto a los demás, un taller muy limpio que trabaja en su mayoría con autos importados, se distinguen por tener un trato preferencial con sus clientes. En el barrio es muy reconocido y querido. Es un hombre que siempre está de buen humor y predispuesto a lo que sea. Tiene una obsesión por mantener sus manos limpias ya que vive con ellas engrasadas. Amigo muy fiel, sigue frecuentándose con gente que es amiga del secundario. El éxito de su taller le dio una vida en la que en cuanto pudo viajó a conocer el país y un poco el mundo, sus destinos siempre fueron la búsqueda de paisajes naturales increíbles. De personalidad tranquila, sabe escuchar y relatar muy bien sus historias, le gusta leer, los autos, los Buenos vinos y el wisky. De aspecto muy cuidado, prolijo, flaco. No pierde el tiempo tratando de generar relaciones por conveniencia o de tener distinto trato con gente supuestamente importante. Dante con la experiencia se transformó en un hombre que cree en la palabra ante todo, y en el respeto hacia los demás. 

Insipiración NUMEN

NUMEN- Foto Fija: Jhiliem Miller Natasha Chiesa Kuryj Basual Do Tate Títa

BLUE VALENTINE

Andrei Tarkovski Predestinación y Destino

CINE El cine posee su sentido poético específico, su determinación especial, su destino propio. Nació para reflejar una parte concreta de la vida, una dimensión del mundo aún no comprendida. Cuando surge un Arte nuevo siempre es el resultado de una necesidad espiritual. Juega un papel especial en la expresión de problemas profundos que se plantean en nuestro tiempo. ¿Qué necesidades del hombre debía Satisfacer el Arte Cinematográfico? En el S XX aumenta la participación del hombre en la actividad social. Crece la industria, la ciencia, la economía y muchos otros campos de la vida le exigen al hombre constantes esfuerzos y una atención incansable. Sobre todo le exigen tiempo. Empezaron a difundirse las especializaciones. El tiempo de los especialistas pasó a depender cada vez más de su trabajo específico. La vida y el curso de las cosas se fue configurando más y más en dependencia de una profesión concreta. El hombre empezó a vivir de forma más aislada lo que limitaba de forma radical sus experiencias y así los diferentes grupos dejaron de entrar en comunicación. Surge el riesgo de empobrecimiento y de una educación parcial, una monotonía causada por el sistema cerrado del mundo del trabajo. Se debilitaron las relaciones de los humanos entre sí. Se estandarizó el destino de las personas. Es precisamente entonces , cuando el individuo cae en dependencia directa de su destino social y cuando la estandarización del individuo se convierte en un peligro altamente real, cuando surge el cine. Con mucha rapidez conquistó al público y se convirtió en uno de los elementos macroeconómicos ¿Cómo? ¿Por qué? El espectador compra una entrada con una meta: Rellenar las lagunas de su propia experiencia; es como si fuera a la caza del Tiempo Perdido. Intenta rellenar el vacío espiritual que se ha formado en la vida moderna llena de inquietud y falta de relaciones humanas. El público es conquistado por el dinamismo del Cine. La acción y ese entretenimiento que nos distrae impresiona sobre todo al público más parezoso. Las reacciones del Público actual (Fines de S XX) ante una película nueva se diferencian de las reacciones que dejaban las películas de los años 20 30. Hoy hemos llegado a una situación en la que el público prefiere cualquier basura comercial a Fresas Salvajes de Bergman. ¿Por qué? El cine Existe y se desarrolla actualmente bajo condiciones nuevas. Allá en los años 30 es explicable el entusiasmo por la euforia general de ser testigos del nacimiento de un arto nuevo. Cine La relación entre películas de alta calidad artística y la producción cinematográfica comercial se ha hecho cada vez más compleja. Se ha ido abriendo un abismo, que cada día se va haciendo más amplio. Esto tiene que ver sobre todo con el hecho de que el espectador ha comenzado a comportarse ante las películas de forma más diferenciada. Ya no es el cine en sí el cine como fenómeno nuevo, original, que lleva las masas al entusiasmo, sino que se puede observar un aumento de muy diversos intereses intelectuales. El espectador va desarrollando simpatías y antipatías Director / Espectador Los directores hoy en día estudian con mayor profundidad los aspectos y los problemas de la realidad que les afectan. Existen espectadores fieles a directores que gozan de cierta predilección. Los directivos del cine soviético insisten en que la cultura de masas se desarrolla en el Occidente, mientras que la vocación de los artistas soviéticos consistirá en crear verdaderamente arte para el Pueblo, pero en realidad lo que les interesa son las películas que consiguen un éxito masivo. Apoyan inconscientemente una producción de películas muy alejada de la realidad y de los problemas realmente del pueblo. El artista y el público están unidos por intereses en común, por ideas a fines y por un nivel intelectual similar. El objetivo de las obras de cine consiste en la organización de un complejo de experiencias por parte del artista, aun cuando en la películas siempre se crea tan solo una ilusión de la verdad: su imagen. Director Inclinarse hacía la propia verdad significa buscar un lenguaje propio para expresar unas ideas propias. Sólo de la suma de películas de varios directores resulta una imagen relativamente real, completa, del mundo moderno, con sus preocupaciones y problemas. Una imagen que en definitiva transmite al hombre moderno aquella experiencia universal que tan fundamentalmente le faltaba. Tarkovski comenta que hasta no haber terminado su primer largometraje LA INFANCIA DE IVÁN aún no se sentía como director. No tenía idea de su futuro intelectual, no veía aún aquella meta que sólo se consigue en la lucha consigo mismo y que determina de una vez por todas la visión de los problemas, después cambia la táctica pero nunca la meta, la función ética. “Para ser un artista no basta con aprender algo, con llegar a dominar unas técnicas profesionales, unos procedimientos. Aún se puede ir más lejos, para escribir bien, como dijo alguien, hay que olvidar la gramática” Si alguien intenta ser director de cine está arriesgando su vida entera. Sólo una persona madura debería asumir conscientemente ese riesgo. El 80% de los que terminan su formación como directores de cine o como actores van a engrosar las filas de unos profesionales incapaces que durante toda su vida vagarán inútilmente por los ambiente cinematográficos. La primera generación de directores soviéticos es la que parece más natural ya que su opción profesional estaba marcada por toda su persona, salía de su alma. Pero hoy casi nadie se acuerdo de que el cine soviético clásico lo hicieron simplemente personas muy jovenes, casi niños, que habían comprendido el sentido que tenía su trabajo. Cine Tarkovski dice que no se puede aprender una profesión cinematográfica sin conocer el moderno cine mundial. Ya que esto lleva a que los nuevos estudiantes tengan que volver a inventar la Bicicleta. Plantea que es mucho más difícil realizar un Cortometraje que realizar un Largometraje ya que para el corto hace falta un sentido de la forma de precisión extrema. En su época tuvo que rodar un film para su carrera y se guiaba por sus ambiciones organizativo-productivas y la idea de una película como obra de arte se le escapó de las manos. Indica que el impulso originario, que es causante de una película, permanece inmutable y exige ser cumplido durante los trabajos de filmación. En el trabajo de planos, montaje y banda sonora se va cristalizando formas más exactas de la idea principal. En su opinión toda película esta sin terminar hasta el último momento. Toda obra de arte presupone una lucha con el material que el artista intenta dominar en una realización total y perfecta de su idea básica, dictada por un primer sentido inmediato. En ningún caso se debe perder en el proceso lo más importante, aquello por lo que se ha dado con la idea de esa película. Vanguardia El arte no es una ciencia que permita andar experimentando . El arte moderno es casi siempre una ficción y nada más, porque parte de la base errónea de que el método puede llegar a convertirse en el sentido y el objetivo del arte. A la demostración del Método es a lo que se dedica la mayoría de los artista contemporáneos. El concepto de Vanguardismo en el arte carece totalmente de sentido, al aceptarlo supone aceptar el progreso en el arte. Pero en el arte ¿Cómo puede ser alguien más avanzado que otro? Eso se puede aplicar a la técnica. De experimento y de búsqueda artística se suele hablar en relación con el vanguardismo. Pero ¿Qué significa experimento en Arte? ¿Probar y ver qué es lo que resulta? Y si no se obtuviera nada, eso sería un problema de aquel pobre hombre, artista de Vanguardia. A Pablo Picasso le preguntaron por su búsqueda artística e indignado por esta pregunta respondió: Yo no busco, yo sólo encuentro. Antes de que una innovación del lenguaje cinematográfico pase a ser algo utilizado por todos, tiene que quedar patente que ésa es la posibilidad natural, la única que tiene un artista para reproducir su propio sentimiento del mundo utilizando los medios de ese lenguaje de la manera más completa posible. El artista no busca procedimientos, como tales, por motivos estéticos. Más bien tiene que dar con medios que estén en condiciones de formular adecuadamente su relación con el mundo, su relación como autor.

Banda Sonora

Propuesta de dirección

Remake

http://www.youtube.com/watch?v=p4ajl9ngN4I&feature=youtu.be

Espacios

Espacios de la Remake de Angel A

Espacio Arquitectónico: Facultad Taller Imagen. Aula.

Espacio Pictórico: Baño público de la ciudad de París.

Espacio Fílmico: Aquí se desarrolla el descubrimiento del valor y amor propio del personaje André. Gracias a la ayuda de Angela, él pudo entender la auto valoración. 

Nouvelle Vague

Esta nueva ola modificó las normas narrativas y temáticas del mundo del cine y abordó críticamente la totalidad de la historia del mismo, significando en su valía la importancia de la teoría de autor.

Agrupados en torno a la revista Cahiers du Cinéma, un grupo de jóvenes intelectuales, impetuosos y con un gran amor por el cine, se enfrenta al cine francés imperante de fuerte carga literaria. Desde esta revista, critican lo que consideran una fuerte sumisión del cine francés a la literatura, rechazan la dominación ejercida por los productores sobre la obra cinematográfica y reivindican la figura del autor como primera y más importante entidad creadora del film.

Admiradores de Hitchcock, de Ford y de tantos otros directores, estos jóvenes proclaman la grandeza del cine americano, del que destacan el carácter “anti-intelectual” de sus westerns y de sus musicales. Pero frente a la rígida organización de los estudios de Hollywood, estos jóvenes plantean nuevos métodos de producción, con presupuestos muy reducidos, que les permiten acceder a la industria por sus propios medios.

En los años cuarenta, el cine francés contaba con dos tipos de cienastas y obras, según la crítica vertida en Cahiers de Cinema: los directores del cine de qualité, que los críticos despreciaban en ese momento, y los autores más personales e incluso marginales (caso de Jean Renoir, Jacques Tati, Max Ophüls, Melville…), que sí tendrían el respeto de los cineastas de la Nouvelle Vague. Por otra parte, el cine francés tampoco experimentaba en esos momentos una renovación estética, como sucedía con el neorrealismo en Italia, así que empieza a sentirse una necesidad de cambio.

Los jóvenes realizadores e impulsores de la Nouvelle Vague se caracterizaron por:

·         Poseer un bagaje cultural cinematográfico importante, obtenido en las Escuelas de Cine y en la Cinemateca Francesa.

·         Forjar su estilo a través de la crítica en la revista Cahiers du Cinéma. Se trataba de verdaderos cinéfilos, y sus películas se colmaron de referencias y citas de homenaje a sus realizadores más admirados, sobre los que incluso han escrito libros.

·         Defender el cine norteamericano de Howard Hawks, John Ford, Alfred Hitchcock, Samuel Fuller, etc., así como también el cine realista y visual de Jean Renoir, Robert Bresson, Jacques Tati,Max Ophuls, etc.

·         La preparación teórica y el deseo de renovar el cine les impulsó a redescubrir la “mirada” de la cámara y el poder creador del montaje, pues se reconocían férreos admiradores de Orson Welles.

·         Tratar en sus películas la condición humana desoladoramente aislada en el marco de la sociedad pequeño burguesa de la posguerra.

·         Considerar el cine como una especie de autoconocimiento personal, por lo que en sus películas aparecen claras referencias personales.

Citas: http://cinecam.wordpress.com/historia-del-cine/los-nuevos-cines/nouvelle-vague/
                 http://es.wikipedia.org/wiki/Nouvelle_vague#Caracter.C3.ADsticas

READY MADE

Término inglés que en una traducción no literal, pero bastante aceptada, se conoce como "lo ya visto".Y mas literal como "lo ya hecho". Preexistente.
Proviene de un acto practicado por primera vez por Marcel Duchamp, en 1915, y consiste en titular "artísticamente" objetos producidos industrialmente, con una mínima o ninguna intervención personal o que responda a corrientes artisticas, declarándolos de esta manera "obras de arte", porque según Duchamp, "arte es lo que se denomina arte" y por lo tanto, lo puede ser cualquier cosa. 

Marcel Duchamp, inventor del Ready Made.

Los primeros ready made fueron una rueda de bicicleta, y un urinario, aún más famoso que el anterior, que Duchamp tituló como Fontaine y firmó con seudónimo, provocando revuelos en la crítica, ya que este tipo de actos plantea todo un problema semántico, cuestionando las categorías estéticas que determinan qué es arte y qué no lo es.
Marcel Duchamp fue el precursor de varias corrientes artisticas y algunas tendencias del diseño. 

Diferentes definiciones que he buscado en la web, emparentan los "Ready Mades" de Duchamp con el "Objeto Encontrado" que acuño el surrealismo, como el segundo devenido del primero.

La Definicion de wikipedia del "objeto encontrado" o "arte encontrado" es la siguiente:
"El término arte encontrado –más comúnmente objeto encontrado (en francés objet trouvé; eninglés, found art o ready-made) o confeccionado– describe el arte realizado mediante el uso de objetos que normalmente no se consideran artísticos, a menudo porque tienen una función no artística, sin ocultar su origen, pero a menudo modificados. Marcel Duchamp fue su creador a principios del siglo XX."

y se explaya...
" [...] Marcel Duchamp acuñó el término readymade en 1915 para describir su arte encontrado. Duchamp ensambló su primer readymade, titulado Rueda de bicicleta en 1913, al mismo tiempo que su Desnudo bajando una escalera 2 llamaba la atención de los críticos en la Exposición Internacional de Arte Moderno. Su Fuente, un orinal que firmó con el seudónimo «R. Mutt», confundió al mundo del arte en 1917."; y continua...
 SIN EMBARGO el propio Duchamp tuvo oportunidad de negar esta asepcion, como encontre en una entrevista que le hiciera Katherine Kuh ( Directora del Instituto de Arte de Chicago y critica de arte del Saturday Review. Figura icónica del arte moderno).
Fragmentos de ua entrevista a Marcel Duchamp.

KATHARINE KUH – ¿Qué buscaba usted cuando inventó los “ready-mades”?

DUCHAMP – La cosa curiosa acerca de los “ready-mades”, es que nunca he podido llegar a una definición o explicación que me satisfaga plenamente. Todavía existe magia en la idea, así que preferiría conservarla en esa forma, en vez de tratar de ser esotérico acerca de ella. Pero hay pequeñas explicaciones y aún ciertos rasgos generales que se prestan a discusión. Digamos que uno usa un tubo de pintura: uno no lo hizo, sino que lo compró y lo usó en calidad de “ready-made”. Incluso si uno mezcla dos bermellones juntos, es también una mezcla de dos “ready-mades”. Por tanto, el hombre nunca puede empezar de la nada. Tiene que empezar con cosas ya hechas, como lo son, incluso, su propia madre y su propio padre.Mis “ready-mades” no tienen nada que ver con el objet trouvé, porque el llamado “objeto encontrado”, está completamente bajo la dirección del gusto personal. El gusto personal decide que este es un objeto hermoso y único. El hecho de que la mayoría de mis “ready-mades” fueron producidos en masa y podían ser duplicados, es otra diferencia importante. En muchos casos, efectivamente, se repitieron, evitándose así el culto de la unicidad, del arte escrito con “A” mayúscula. Yo considero el gusto –bueno o malo– el enemigo más grande del arte. En el caso de los “ready-mades”, traté de permanecer alejado del gusto personal y ser completamente consciente del problema. De ahí proviene el que, en un período de casi cincuenta años, he aceptado solamente un número pequeño de “ready-mades”. Si hubiese estado produciendo diez diarios, la idea completa hubiera quedado destruida, porque grandes cantidades aisladas inmediatamente producen un gusto personal. Agregando lo menos posible a mis “ready-mades”, trato de conservarlos puros. Naturalmente, todo esto difícilmente soporta una discusión trascendental, porque es el caso que mucha gente puede probar que estoy equivocado, simplemente señalando que escojo un objeto más bien que otro y así impongo algo de mi propio gusto personal. Nuevamente digo que el hombre no es perfecto, pero al menos he tratado de permanecer tan apartado como me ha sido posible y no crea usted, ni por un minuto, que ello no haya sido una tarea difícil. No estoy en absoluto seguro de que el concepto de los “ready-mades” no sea la más importante idea individual que se desprende de mi trabajo.

Versión castellana extraída de Katharine Kuh, Habla el artista, Libreros Mexicanos Unidos, México, 1965.



*Katharine Kuh una vez  opino que “Es posible que sin Duchamp no se hubiera desarrollado nunca el pop art ni el op art. Al final, la luz pintada de los impresionistas y los pigmentos fogosos de los fauves lo alejaron de cualquier cosa que se pareciera a los procedimientos aceptados”.

"La Rueda", primer objeto dado en llamarse "Readymade", termino quetambien acuño su inventor.

"Fontaine". Polemico y segundo Readymade de Duchamp.

Fuentes:
http://www.archivosurrealista.com.ar/Objetos6a.html
http://www.portaldearte.cl/terminos/readymad.htm
http://www.slideshare.net/LuisArturo/ready-made-o-como-hacer-arte-reciclando
https://es.wikipedia.org/wiki/Arte_encontrado
http://frentealescritorio.blogspot.com.ar/2008/01/katharine-kuh-reina-del-arte-moderno.html

Corrección de color

La corrección de color ha estado reservada durante mucho tiempo a especialistas con plataformas y sistemas de color muy avanzados, complejos y extremadamente caros. Ahora, sin embargo, la edición de vídeo, incluso en calidad HD, está al alcance de prácticamente cualquiera y la mayoría de, por no decir todos, los programas de edición de vídeo del mercado ofrecen alguna herramienta de corrección de color de modo que, sin salir de nuestro programa de edición habitual, podremos hacer algunas correcciones, aunque sean muy básicas. 

 Corecciones primarias
La corrección primaria se encarga de compensar estos fallos básicos y ajustar las imágenes de tal modo que se acerquen lo más posible a la "neutralidad" o, al menos, al aspecto que se supone deberían haber tenido esas imágenes. Este primer paso es esencial vayamos realizar o no manipulaciones de color posteriores. Es decir. Imaginemos que queremos darle a nuestro vídeo un aspecto tecnológico. En ese caso seguramente querremos que haya una dominante de colores grises y algunos tipos de azules asociados, generalmente, a la tecnología. Si no neutralizamos primero en la grabación original cualquiera que sea la dominante, luego será muy complicado manipular el vídeo para lograr con precisión el tono deseado. La corrección de color es un proceso muy dinámico y cualquier cambio en una gama de colores afecta irremediablemente a las demás. Por ello es fácil tener una sensación de falta de control y sentirse muy perdido al principio si no se cuenta con una buena corrección inicial.

Correcciones secundarias
Las correcciones secundarias, por su parte, afectan únicamente a determinadas zonas de la imagen. Casos típicos serían lograr más luminosidad en las caras de los personajes, darle más intensidad al azul del cielo, ajustar tonos de piel, acentuar o aclarar sombras, etc. Para este tipo de trabajo nuestros mejores aliados serán las máscaras, la herramienta de selección de colores y los trackers.

Las máscaras nos permitirán seleccionar ciertas zonas de la imagen y aplicar los cambios únicamente en esas zonas. Pueden ser máscaras geométricas sencillas, como rectángulos o elipses, o complejas máscaras personalizadas con la forma que queramos. Por la propia idiosincrasia del vídeo, lo habitual será que debamos animar las máscaras mediante keyframes - cuadros de referencia - para que siempre se apliquen a la zona del vídeo que necesitamos aunque esa zona se desplace o mueva en pantalla. Para estos casos contar con un buen tracker en nuestro programa de corrección facilita, y mucho, esta tarea de animación de máscaras. La función del tracker es localizar un punto determinado en la imagen y generar de forma automática keyframes para que sigan a ese punto. Un ejemplo: si queremos darle más luminosidad a la cara de un personaje y éste se mueve por la escena deberemos seleccionar algún punto de la su cara como la boca, nariz u ojos para que el programa siga la posición de ese punto en todo momento. Luego hacemos que la máscara siga los puntos de referencia registrados y, de ese modo, la máscara se moverá de forma automática con ese personaje. No todos los programas de edición, sin embargo, ofrecen esta herramienta y, además, únicamente los de más alta gama ofrecen un tracker con una suficiente precisión como para poder confiar en ellos de forma habitual. En la mayoría de programas encontraremos que, a menudo, resulta más rápido generar keygrames a mano que con el tracker ya que únicamente funcionarán correctamente en situaciones de buena iluminación y alto contraste.

Otra alternativa es usar la clásica herramienta del cuentagotas par seleccionar una gama concreta de colores. El caso típico es seleccionar el azul del cielo e intensificarlo. O el famoso anuncio de Special K de Kellogs, en el que todo lo rojo tiene mucha más intensidad que el resto de las imágenes. Éste efecto se logra, simplemente, seleccionando el tono rojo y aumentado su saturación y/o contraste mientras que, paralelamente, se reduce el de los demás elementos.

Tercera:  Filtros y efectos para lograr un look determinado
Las correcciones primarias y secundarias son, por lo general, bastante desagradecidas. Es decir, únicamente sirven para corregir errores y matizar, sutilmente, las imágenes. Es muy frecuente que tras pasar un buen número de horas trabajando en correcciones primarias y secundarias el cliente, o quien vea el resultado, pregunte "¿Y qué es lo que has hecho? Yo no noto nada..."  Las diferencias únicamente son notables al comparar las imágenes iniciales con el resultado final pero el resultado final, por sí sólo, suele dejar al espectador bastante indiferente. Simplemente está "bien"; lo que no es poco si tenemos en cuenta que si no está "bien", es que está "mal"... Puede que nuestro producto no sea todavía de excelente calidad pero, al menos, ya no es mediocre o de baja calidad lo que, insisto, no es poco.

Si además de "bien" queremos que nuestro vídeo destaque, habrá que aplicarle un aspecto, comúnmente llamado "look", que diferencie nuestras imágenes claramente de las de cualquier videocámara doméstica. Ahora bien, con el retoque de color sucede lo mismo que con la banda sonora. Son una ayuda para que el espectador se sumerja en la historia que contamos. El espectador debe notar que nuestras imágenes le atrapan, que se siente cómodo, pero no debería saber realmente por qué. El trabajo del colorista, por tanto, debe pasar tan desapercibido como sea posible y salvo en casos muy justificados la discreción será la mejor arma.

Aplicar looks específicos es, sin duda, la parte más complicada del retoque de color. En primer lugar porque se necesitan tener muy claras las ideas sobre el aspecto deseado; y en segundo lugar porque no siempre resulta sencillo alcanzar ese resultado. El color es, como ya he comentado, muy dinámico y los cambios son sumativos. Hace falta experimentar mucho y se aprende poco a poco. Es por ello que casi todas las aplicaciones dedicadas específicamente al retoque de color ofrecen una colección más o menos extensa de looks predefinidos que pueden ayudarnos en nuestro comienzos, por un lado, a conseguir esos aspectos especiales con facilidad de primeras y, por otro, son un excelente punto de partida para aprender, puesto que en lugar de partir de cero tendremos ya unos puntos de referencia y podremos fijarnos en los parámetros usados para aprender a lograr los resultados deseados.

Fuente: http://www.videoedicion.org/documentacion/article/introduccion-a-la-correccion-de-color-o-etalonaje

Conceptos básicos

Corrección de color
Es el proceso donde cada clip es modificado para conseguir una exposición y un balance de la luz correcta. Los negros, medios, blancos y la temperatura de color son modificados en función de su estado inicial. ¿Como sabemos si es correcta nuestra corrección? Mediante los scopes (vectoroscopio, forma de onda, parade), una forma visual y numérica que nos ayuda a medir la luz de nuestra escena. Admitámoslo, no podemos confiar en nuestros ojos.

Color grading
Ees el proceso creativo donde modificamos los clips en función del look que le queremos dar. Por ejemplo, introduciendo nuevos colores, reforzando la iluminación de ciertos elementos, añadiendo degradados… En este proceso interviene el argumento de la história y las sensaciones que el director quiere plasmar en el clip. Para realizar este proceso existe software específico como DaVinci Resolve o el reciente Adobe Speedgrade. De manera mas básica, con el propio software de edición como Adobe Premiere o Final Cut Pro también es posible hacerlo.

Negros, medios y blancos
También llamados sombras, medios tonos y altas luces. En esencia, todo programa básico de edición tiene la posibilidad de ajustar estas tres variables. Se pueden ajustar mediante curvas, niveles o sliders de color, en función del software utilizado. No vamos a discutir cual es la mejor forma, simplemente comentar las varias posibilidades que existen.

Fuente: http://d2visual.net/correccion-de-color-en-video-digital/

Angel A Escena

La escena comienza desde el minuto 1:22. 
En los 3 minutos elegidos para representar se representa el objetivo de Angela.
Un ángel caído del cielo que tiene una misión, en este caso ayudar a André, pero como bien se expresa en la película para poder hacer un cambio en tu vida hay que aceptarse a uno mismo y seguir adelante.
La escena representa lo valioso del amor propio, más allá de las palabras. Por más que cometamos errores siempre hay una parte de nosotros que nos va a permitir modificar nuestros actos, lo importante es dejarla salir. Se necesita ayuda para poder ayudarse a uno mismo y esto se refleja exactamente en la escena.  
Resulta interesante la elección del Director para tratar la escena, un plano fijo, corto y un sutil movimiento de cámara, mantiene la tensión total de la escena para que se pueda comprender el descubrimiento de André respecto a él mismo. La ubicación de los personajes es perfecta, ella esta por arriba de él e intenta mantenerse a la misma altura y cuando es necesario desaparece. 
Respecto a la película es el momento clave donde, a mi entender, la misión del Ángel se cumple y lo importante es que se cumple gracias al descubrimiento personal del personaje André. 

En cuanto al sonido puedo decir que es una melodía que acompaña la escena,. Mantiene la tensión, hermosa tensión, como los planos elegidos. 

Dirección de Fotografía:

La luz de la Escena es muy suave esto resalta la belleza y delicadeza tanto del Ángel como del amor que descubre André. Mas allá de que están en un lugar cerrado se los ve iluminados y nítidos. 
Me gustaría resaltar una claridad y brilllo en los personajes para representar lo hermoso lo que esta sucediendo. 

Montaje LINEAL Y NO-LINEAL

Montaje NO-LINEAL.

La edición no lineal es el sistema a traves del software o moviola.
Los métodos no lineales, de edición comenzaron a aparecer con la introducción de la tecnología de video digital. Se lo puede considerar como el equivalente en el ámbito del audio/video del procesamiento de textos, que es la razón por lo que se lo denomina edición de video en desktop en el ámbito de los consumidores.

Es aquél que nos proporciona libertad para trabajar en cualquier orden que deseemos, y nos permite alterar o re-estructurar el trabajo realizado sin afectar al resto del material, como si dispusiéramos de un rompecabezas cuyas piezas son los planos rodados. El montaje en vídeo es un caso de montaje lineal (imaginemos que escribimos un libro a mano, en un cuaderno), mientras que el montaje en moviola o en sistemas de edición digital es no lineal.
Permite insertar segmentos, eliminarlos, y cambiarlos de posición.

Los segmentos de video y audio quedan grabados permanentemente. Es decir, las decisiones de edición existen en la memoria de la computadora como una serie de marcadores que indican dónde ubicar la información en el disco. Ello garantiza la revisión y modificación de la edición en cualquier momento del proceso.No obstante la flexibilidad creativa que ofrece, el trabajo con información electrónica implica el riesgo de perderla, sobre todo, por cualquier daño que sufra el disco duro.

Montaje LINEAL

Es el que implica seguir un orden consecutivo; montar el plano que queremos en primer lugar, luego el que queremos en segundo lugar, y así sucesivamente. Si grabamos imágenes de la televisión o de la radio en una cinta magnética, estamos montando linealmente, y cualquier rectificación de los fragmentos ya montados resulta, cuando menos, laboriosa.

La edición lineal significa adherirse al principio de ensamblar su programa de principio a fin, y una vez que se ha colocado la segunda toma, ya no se puede alterar fácilmente la primera toma, incluso aunque sólo sea añadir o quitar un único cuadro. Todos los cambios sucesivos tendrán que grabarse de nuevo. La naturaleza física del medio condiciona la manera en que se ha de reordenar el material.   
Los acontecimientos son expuestos siguiendo su orden cronológico. En principio, este tipo de montaje es típico cuando el relato se utiliza para mostrar los acontecimientos únicamente la representación temporal del presente, independientemente de la época que marque el tiempo diegético. Sin embargo, también es posible utilizar el pasado pero desarrollar los acontecimientos de forma líneaEsta forma de edición no permite cortar un fotograma de forma libre sin ningún orden, se sigue de forma secuencial la filmación. Por ejemplo si queremos retocar o eliminar un fotograma que se encuentra en el intervalo 200, debemos pasar del 1 al 199 y cortarlo y luego volver a juntarlo. Esto conlleva una pérdida de tiempo a la hora de editar un vídeo.También se le llama edición máquina-máquina

BUÑUEL

Sin menos Buñuel se presentó con Un Chien Andalou una obra surrealista en todo su esplendor. 
Es la primer etapa que transitó y la que lo marco en cada Obra. 

Tanto en Un Perro Andaluz como en otra de sus obras como "Una mujer sin amor" y "Ensayo de un crimen" el director tiene una manera propia de realizar la obra, se lo puede distinguir de otros directores. 

Pude observar como maneja el famoso "Plano y contra plano" si la situación lo pide no lo hace de la manera tradicional de tomar a un personaje, luego al otro y finalmente cortar y pegar, si no que lo realiza con la cámara en movimiento que va de un personaje al otro rapidamente. Es un recurso que mantiene la tensión tanto de los personajes como en el espectador. 
Al hablar del manejo de la cámara también puedo comentar que no solo se ve este movimiento cuando hay plano y contra plano. Hay un seguimiento constante del movimiento de los personajes con la cámara, a veces pueden ser bruscos y a veces sutiles, pero ahí estan. Se puede observar cuando un personaje se levanta, se dirige hacia un lugar, etc. 
Hay mucho uso de planos cenitales también. 
El primer plano y plano detalle lo utiliza como recurso para hacer incapié en lo doloroso, extraño y perturbante. Los planos cerrados enmarcan lo surreal de sus obras y el dolor de los personajes.  
A la hora de presentar un espacio o plasmar una imagen de un lugar en particular no hace un gran uso de planos generales, se enfoca siempre en planos cerrados aunque la situación pida un gran general, hay excepciones. Pero viendo esta caracteristica se nota como el director busca lo puntual.  En el caso de "Él" veo reflajada la caracteristica del plano cerrado para contar la historia, Bueñuel detalla el Melodrama a traves de la cámara. 

El corte de un plano a otro en algunas situaciones se torna brusco cómo por ejemplo en "Él" donde Gloria y su marido estan discutiendo en la cama corta y viene plano de un tren andando corte y vuelve a la cama cuando el le pide perdon. 

La música acompaña de manera perfecta la obra, cada situación tiene una música y sonido acorda a ella. 
Finalmente en cuanto a la luz he notado que es muy contrastada lo cual denota una de sus caracteristicas suarrealistas. 

Intermedio Digital

Intermedio Digital:

En los últimos años, el concepto de Intermedio Digital se ha ido consolidando como la mejor forma de post-producir los largometrajes en esta década. Esto significa digitalizar el material seleccionado de la película y realizar la edición, los efectos visuales y la corrección de color en un ambiente digital en resolución fílmica. De este modo, se accede a posibilidades que hasta hace poco, sólo estaban disponibles para trabajos realizados en resolución de video. 

Uno de los principales beneficios que ofrece esta forma de post-producir es garantizar un material libre de imperfecciones, ya que parte del proceso incluirá una limpieza por software, si es necesario manual y otro tipo de correcciones técnicas, como estabilizaciones, flickers, etcétera. 
Actualmente, esta tecnología se está aplicando no sólo en largometrajes sino también en comerciales de la tanda publicitaria de los cines y, por supuesto, en los trailers. 
Las posibilidades de manipular la imagen son tan amplias que no hay restricciones para la imaginación del realizador. Sólo hace falta tener muy en cuenta, al momento de la filmación, qué resultado se quiere lograr con el material. Luego queda en manos del artista de post-producción interpretar y aportar a las necesidades del proyecto. 

Lugares: Alta Definición Argentina, Cinecolor, In Post We Trust, 

Figuras retoricas literarias: En el lenguaje literario las palabras son un fin en sí mismas, el autor selecciona el lenguaje para enriquecer la capacidad léxica de una lengua.

Se entiende por "figura" en su acepción más amplia, cualquier tipo de recurso o manipulación del lenguaje con fines retóricos, antiguamente se aplicaba a la oratoria, pero al entrar ésta en decadencia pasó a la literatura y actualmente se aprecia con mayor énfasis en la publicidad.

Figuras de dicción

Las figuras de dicción afectan primordialmente a la forma de las palabras. Se distinguen cuatro categorías: figuras de transformación, figuras de repetición, figuras de omisión y figuras de posición.

Figuras de transformación

Las figuras de transformación consisten en la utilización de formas léxicas que serían, en teoría, incorrectas en la lengua ordinaria. Las más conocidas de estas figuras son las licencias métricas.

Figuras de repetición

Las figuras de repetición consisten en el uso de elementos lingüísticos que ya habían sido usados en el mismo texto. La repetición no tiene por qué ser necesariamente exacta, por lo que en muchas ocasiones se dan casos de semejanza.

Figuras de omisión

Las figuras de omisión consisten en la supresión de un elemento lingüístico necesario, en teoría, para la construcción del texto. Su uso tiende a aligerar la expresión.

Figuras de posición

Las figuras de posición son aquellos procedimientos que se basan en la alteración del orden normal de las partes de la oración.

Figuras de pensamiento

Las figuras de pensamiento afectan principalmente al significado de las palabras. Se distinguen las siguientes categorías: figuras de amplificación, figuras de acumulación, figuras lógicas,figuras de definición, figuras oblicuas, figuras de diálogo, figuras dialécticas' (o de argumentación) y figuras de ficción.

Figuras de amplificación

En la práctica las figuras de amplificación incluyen técnicas de alargamiento de los contenidos de un texto.

Figuras de acumulación

Las figuras de acumulación son procedimientos que buscan la adición de elementos complementarios a las ideas expuestas.

Figuras lógicas

Las figuras lógicas son procedimientos que tienen que ver con las relaciones lógicas entre las ideas dentro de un texto; de forma especial, se considera la relación de contradicción o antinomia, por lo que la figura lógica por antonomasia es la antítesis.

Figuras de definición

Las figuras de definición (y descripción) se utilizan para reflejar lingüísticamente la esencia o apariencia de los temas tratados (personas, objetos, conceptos...).

Figuras oblicuas

Las figuras oblicuas designan de forma indirecta una realidad utilizando las palabras en sentido apropiado

Figuras de diálogo o patéticas

Las figuras de diálogo son las propias del estilo directo, pues subrayan el carácter comunicativo del discurso. Se denominan también figuras patéticas pues pretenden incidir afectivamente en el destinatario.

Figuras dialécticas

Las figuras dialécticas o de argumentación son las propias de los debates dialécticos, se trata de técnicas argumentativas.

Figuras de ficción

Las figuras de ficción permiten presentar como reales situaciones imaginarias.

Metonimia:

Tropo, que consiste en designar una cosa con el nombre de otra. Puede presentarse bajo diversas formas.
Es la sustitución de un término por otro, fundándose en relaciones de causalidad, procedencia o sucesión existentes entre los significados de ambos términos. Según los diferentes modos de contigüidad, se producen diversos tipos de metonimia